Talvez seja uma ilusão, mas Cannes sempre parece terminar em uma correria louca, já que as salas do festival espremem os últimos candidatos a prêmios. (Dois novos filmes da competição estrearam na sexta-feira, um dia antes da entrega da Palma de Ouro. Dar tempo ao júri para pensar sobre suas decisões não é uma exigência de Cannes.) Vamos ver os quatro finalistas por sua vez.
de Catherine Breillat “Verão passado,” seu primeiro longa desde o mais ou menos autobiográfico “Abuse of Weakness”, 10 anos atrás, mostra seu retorno ao modo de marca registrada de provocação sexual (“Fat Girl”, “Anatomy of Hell”). Tecnicamente, é um remake do filme escandinavo “Queen of Hearts” (2019), embora se não me falha a memória desse filme, este é um tratamento muito mais ponderado e cortante, especialmente no que diz respeito ao seu final.
Anne (Léa Drucker) é uma advogada que freqüentemente defende vítimas de estupro e, portanto, sabe algumas coisas sobre a dinâmica do poder e como as testemunhas podem ser enquadradas como mentirosas – uma habilidade que será útil em sua vida pessoal. Apesar do perigo óbvio, ela se vê envolvida e perpetuando uma relação sexual com seu enteado de 17 anos, Théo (Samuel Kircher), sob o nariz de seu marido e pai dele, Pierre (Olivier Rabourdin).
Breillat está interessado em várias coisas aqui: testar o desconforto dos espectadores, retratar francamente o desejo feminino (uma das cenas de sexo mantém a câmera em close-up no rosto de Anne), defender o direito à hipocrisia sexual. Ainda assim, “Last Summer” é bastante manso para os padrões de Breillat, e eu não acreditei nem por um segundo que esses personagens se envolveriam um com o outro. Mas talvez o filme mereça um pouco de licença nesse ponto.
“Dias Perfeitos”é o segundo filme de Wim Wenders em Cannes este ano, depois do documentário 3-D “Anselm”, uma imersão na obra do artista Anselm Kiefer. Este longa de ficção foi rodado em Tóquio (que fica sensacional na paleta elétrica do diretor de fotografia Franz Lustig) e é quase todo em japonês. Koji Yakusho interpreta Hirayama, um zelador de banheiro que não é mudo, mas na maior parte do tempo não fala. Não seria nada surpreendente se o discreto desempenho físico de Yakusho ganhasse um prêmio no sábado.
Grande parte do filme consiste simplesmente em assistir Hirayama dirigir por Tóquio, limpar banheiros, jogar um jogo da velha com um patrono misterioso que deixa uma folha de papel em um dos banheiros para ele e/ou ouvir o Animals, Nina Simone, ou quem quer que Wenders queira colocar na trilha sonora. (Lou Reed, naturalmente, fornece o título.) Eventualmente, a sobrinha de Hirayama (Arisa Nakano) aparece à sua porta e, por um curto trecho, “Perfect Days” quase tem um enredo. O filme parece muito mais uma peça de humor dos Wenders que fizeram “Kings of the Road” e “Paris, Texas” do que os Wenders que fizeram “Palermo Shooting” (2008), a desastrosa última incursão do diretor na competição de Cannes. Mas enquanto as sequências de sonhos em preto e branco adicionam um elemento de mistério, “Perfect Days” finalmente parece um pouco leve.
de Alice Rohrwacher“A Quimera” é um candidato tardio para o filme mais estranho e menos classificável da competição. É estrelado por Josh O’Connor como Arthur, um inglês na Itália que se torna parte de um grupo que ganha dinheiro localizando, desenterrando e saqueando tumbas etruscas, vendendo as antiguidades para uma figura misteriosa chamada Spartaco (presumivelmente como no filme “Eu sou Spartacus” cena de “Spartacus” – poderia ser qualquer um, mas não é).
Rohrwacher (“The Wonders”, “Happy as Lazzaro”) sempre teve uma abordagem oblíqua da narrativa, e leva um tempo assistindo “La Chimera” apenas para ter uma noção completa das implicações do esquema. Não leva muito tempo, porém, para ver que este é um filme incansavelmente inventivo, misturando estoques de filmes (Hélène Louvart fez a cinematografia) e proporções e movendo-se com fluidez entre a lógica do sonho e a realidade. O humor é incomum (nos minutos iniciais, Arthur dá um soco em um vendedor de meias em um trem, e há uma peça final envolvendo uma venda de arte no mar que pode muito bem ter saído de uma sequência de “Austin Powers”). Achei “La Chimera” completamente fascinante e totalmente instável. “Happy as Lazzaro” me levou duas visualizações para apreciar, e suspeito que esse será o caso aqui também.
O título do novo drama de Ken Loach, “O Velho Carvalho”, refere-se ao nome de um pub que se torna território contestado em uma cidade no norte da Inglaterra em 2016. Os moradores de longa data se ressentem do declínio de sua antiga comunidade de mineração e veem um bode expiatório no recente influxo de refugiados da Síria. TJ Ballantyne (Dave Turner), o dono do bar, hesita em ajudar os recém-chegados, apostando que os moradores xenófobos pagam suas contas. Mas ele se apaixona por Yara (Ebla Mari), uma fotógrafa, que o ajuda a ver que um antigo valor da época do sindicato dos mineiros – a ideia de que se as pessoas comem juntas, ficam juntas – pode ser a solução para fechar um negócio sem sentido. fenda.
Loach pode ser hipócrita e didático (“Eu, Daniel Blake”, que lhe rendeu sua segunda Palma de Ouro em 2016, disfarçou uma posição política livre de nuances como uma declaração existencial), mas “The Old Oak” é um dos filmes mais fortes de sua longa carreira com o roteirista Paul Laverty, com quem trabalha desde o final dos anos 1990. Isso é festa porque coloca o caráter em primeiro lugar. TJ e Yara não são simplesmente peões na sociedade, mas têm motivações genuinamente complexas influenciadas por suas vidas e pela história. Lamentavelmente, a propensão de Laverty para transformar o que deveria ser subtexto em longos discursos não desapareceu totalmente, e a crueldade infligida a um cachorro parece algo que ele e Loach adicionaram apenas para aumentar o fator de miséria (há sombras do final de “Kes “). Mas isso ainda é algo muito poderoso.
Finalmente, devo voltar para abordar dois filmes de competição que estrearam no início do festival que eu nunca mencionei.
Kaouther Ben Hania“Quatro Filhas” é, juntamente com “Juventude (Primavera)” de Wang Bing, um dos dois documentários em competição este ano; a maioria dos anos não tem nenhum. Centra-se em Olfa Hamrouni, uma mãe tunisiana que teve duas filhas fugidas para se juntar ao Estado Islâmico na Líbia. Francamente, este foi apenas um caso em que lutei muito para ser absorvido pelo filme, um problema que sempre pode ser atribuído à síndrome do festival – tentar ver muitos filmes em um tempo muito curto. Mas “Four Daughters” usa uma certa quantidade de truques conceituais (misturando atores e pessoas reais em encenações) que tende a desviar a atenção da história. Eu me perguntei se poderia ter sido mais cativante como um documentário direto.
E Ramata-Toulaye Sy “Banel & Adama”teve a infelicidade de ter sua principal exibição para a imprensa encerrada apenas três minutos antes do início de “Killers of the Flower Moon”, de Martin Scorsese, o que significa que qualquer jornalista preocupado com sua pressão arterial foi direto para o Scorsese e alcançou “Banel & Adama” mais tarde, se for o caso. Tanto quanto eu poderia dizer, isso teve o efeito de dispersar os holofotes no filme do Sy.
“Banel & Adama” é sua estreia na direção de longas. (Ela participou do roteiro de “Nossa Senhora do Nilo”, dirigido por Atiq Rahami, que está no júri este ano.) Trata-se do casal titular, que vive na zona rural do Senegal. Banel (Khady Mane) foi originalmente casado com o irmão de Adama, mas Adama (Mamadou Diallo) – por tradição – casou-se com ela depois que o irmão morreu. E Adama, aos 19 anos, reluta em assumir o cargo de chefe da aldeia.
Estou com o aparente consenso sobre este: outras críticas geralmente notaram a incompatibilidade entre as imagens empolgantes do filme e sua narrativa irregular, na qual a exposição é direta ou MIA